Contact avec un public - spectacle de danse inclusif dans l'espace public

“Pour moi, être devant un public, c’est se sentir chez moi. C’est l’endroit où je peux être moi-même. J’aime être vue. J’aime créer des sentiments chez les autres. J’aime leur raconter mes idées, mon histoire. Peu importe que le public soit grand ou petit, que ce soit dans un grand théâtre ou sur une petite terrasse. J’ai la chance de ne pas avoir eu de mauvaises expériences. Ce que j’aime le plus dans l’interaction, c’est que je ne connais pas ces gens. Je me donne, mais ce qu’ils pensent de moi en tant que personne n’a pas d’importance. Je me soucie bien sûr de savoir s’ils ont apprécié ma prestation, mais c’est quelque chose qui ne relève pas de ma vie personnelle. C’est la “bipolarité” de la performance pour moi.  Ce sont les moments les plus “authentiques de moi” parce que ce n’est pas “moi”. Ce que je veux dire, c’est que je suis derrière un rôle ou une condition et que je sers cela. En cela, je me sens bien”. 4

“C’est un combat. Je suis très timide, je ne voulais pas me montrer”, avoue l’une de nos collègues. Un clown décrit comme “terrifiant” le fait de se présenter devant le public. Le public possède en effet le pouvoir d’évaluer, de juger et éventuellement de rejeter. Cependant, c’est l’acte même de jouer qui permet aux artistes de se sentir “vivants”, “d’aller au-delà d’eux-mêmes, de ressentir des émotions qui les font exister”. Cette duplicité peut sembler familière. En fait, il s’agit de la même duplicité que nous rencontrons dans chaque acte de communication. Dans chaque interaction, au-delà de l’échange d’informations, nous créons une relation et nous offrons des morceaux de nous-mêmes, des parties de notre identité que l’autre peut reconnaître ou rejeter. Sapiens est une espèce profondément sociale ; nous existons à travers nos interactions et nos relations.

“En tant qu’êtres humains, nous avons besoin d’être vus, d’être reconnus. Nous avons tous des histoires à raconter et les gens ont toujours eu besoin de partager. Pour moi, lorsque je joue, je suis forte. Je me sens capable. On me voit et les gens entendent vraiment ce que j’ai à dire. C’est valorisant et je crois sincèrement que nos participants ressentent la même chose lorsqu’ils ont l’occasion de se montrer devant le public.5

Le psychologue Irving Yalom parle d’une “solitude ontologique” qui va bien au-delà de la solitude. Il s’agit de l’unicité de la perspective subjective de chaque personne sur le monde, et du désir de partager cette perspective, d’avoir un témoin qui puisse comprendre et reconnaître cette perspective.

“Nous voulons être vus et entendus, nous voulons exprimer nos émotions. Depuis des milliers d’années, des histoires sont racontées par le biais de la danse, qui fait partie des rituels et lie les gens en communautés. Elle fait partie de l’expérience commune, de la joie, de la tristesse, de la passion, de la peur et de l’amour. Se produire devant les autres est inscrit dans notre ADN et crée un lien avec les autres. Se produire et danser est la clé de la reconnaissance mutuelle”. 6

La “reconnaissance mutuelle” est une expérience précieuse qui consiste à voir, à répondre et à valider l’identité et l’authenticité de l’autre. C’est un concept clé de la méthode d’animation par la danse développée par Raisa Foster que nos partenaires finlandais ont partagée avec l’équipe du projet. Le spectacle est un moment privilégié où cette reconnaissance mutuelle peut émerger.

Pour les membres de l’équipe de Contact, faire un atelier de danse sans spectacle, c’est comme se préparer à prononcer notre phrase préférée sans jamais avoir l’occasion de la dire. Mais le spectacle n’est pas seulement un événement unique pour l’interprète, mais aussi pour le public. Sophie Bulbulyan, cofondatrice et directrice artistique de DK-BEL, insiste sur les émotions qui se créent dans le public au contact de la performance. Un spectacle change quelque chose dans le public.

“Il peut être très stimulant pour le public d’assister à ce moment où l’artiste est présent, où il n’essaie pas d’être performant, mais se contente d’accomplir sa tâche et de se concentrer sur le moment présent. C’est à ce moment-là que l’on peut ressentir la connexion, le contact entre le public et l’artiste.” 4

Vasileios Oikonomou, fondateur et directeur artistique de THEAMA, aime aborder la performance à travers le concept d’ὄψις (opsis) – la sixième et plus importante composante de la tragédie, selon Aristote, comme présenté dans le traité de Poétique (Poétique 6.1450b16-17). L’ὄψις d’un spectacle est créée par sa configuration ou sa modélisation “matérielle” (acteurs, accessoires, effets), selon la perception esthétique du metteur en scène pour le monde. Cela implique également que nous parlons nécessairement d’unicité et non d’une configuration spécifique idéale. “Le spectacle aide la pièce à impressionner et crée certainement l’esthétique de la pièce selon le point de vue personnel du metteur en scène. La création esthétique n’exige pas l’idéal, mais l’agencement unique du spectacle, qui seul peut sensibiliser, divertir et provoquer une réaction appropriée de la part du public. L’unicité constitue la perfection. 8

Cette même interprétation du terme ὄψις a également des implications pour la présence d’acteurs handicapés, car elle “met en évidence l’unique par rapport à l’idéal, et l’accent sur la façon dont la moulabilité de la scène du matériau permet de reconstruire la méthode d’enseignement théâtral chez les acteurs professionnels handicapés”. Chaque acteur handicapé doit être considéré comme un “matériau” spécial qui contribue à l’agencement unique d’une scène…”. 9